どの作家についても、どのように「見る・見える・見られる」かという、視覚的な側面をきっかけとしてお声がけをさせていただいた。また、自分自身の視覚や認識について、これまで述べられてきたような哲学的な観念や芸術理論と、どういった距離を保ちながら作品制作をしているかを着眼点としている。一方で、犬和紙は日本画でオオカミという具象を描き、百瀬文はパフォーマンスと映像で身体から社会へアプローチし、貴志真生也は構造的なモチーフで空間に言及し、永井天陽は視覚による実体のブレをテーマにするなど、作品形態や手法は全く異なっている。しっかりと見る、という展示観賞にとって当たり前に重要であり、かつ一番におそろかにされてしまうことに対して、各作家とも、そのようにはさせない惹きつける要素を多分に持っていると言える。

All artists were called upon in consideration of the visual perspective of how we "see, are able to see, and are seen". Moreover, I start from the viewpoint of the difference in their creative processes with my own sense of vision and perception along with the philosophical concepts and art theories practiced up until now. From one perspective, Inuwashi, using concrete subjects, draws wolves using Nihonga method; while Aya Momose approaches society physically using performance and film. Maoya Kishi uses structural motifs to reference the space; while Solaya Nagai takes up themes that involve actual visual blurring. These artists each possess a completely different style and method. Considering the notion of looking at something carefully, what is obviously important in viewing an exhibition, and also most neglected, each artist has the strong element of attracting us and not allowing that to happen.